Живопись и графика (1)

Ил. 191. М. В. Нестеров. Видение отроку Варфоломею. X., м. 160X213. 1889-1890. ГТГ

Ил. 192. М. В. Нестеров. Портрет О. М. Нестеровой. X., м. 175X86,5. 1906. ГРМ

Цв. ил. X В. А. Серов. Девочка с персиками. X., м. 91 X 85. 1887. ГТГ

Ил. 193. В. А. Серов. Портрет К. А. Коровина. X., м. 111,2X89. 1891. ГТГ

Ил. 194. В. А. Серов. Октябрь. Домотканово. X., м. 48,5X70,7. 1895. ГТГ

Ил. 195. В. А. Серов. Портрет А. М. Горького. X., м. 126 X 91. 1905. Музей А. М. Горького. Москва

Ил. 196. В. А. Серов. Портрет М. Н. Ермоловой. X., м. 224 X 120. 1905. ГТГ

Ил. 197. В. А. Серов. Портрет О. К. Орловой. X., темпера. 235 X 156. 1911. ГРМ

Ил. 198. В. А. Серов. Петр I. К., темпера. 68,5X88. 1907. ГТГ

Ил. 199. В. А. Серов. "Солдатушки, бравы ребятушки, где же ваша слава?". К., темпера. 47,5 X 71,5. 1905. ГРМ

Цв. ил. XI. К. А. Коровин. У балкона. Испанки Леонора и Ампара. X., м. 59,7 X 37. 1886. ГТГ

Ил. 200. К. А. Коровин. Зимой. X. на к. 37,2 X 52,5. 1894. ГТГ

Ил. 201. К. А. Коровин. Розы и фиалки. X., м. 92,3X 73,2. 1912. ГТГ
Ил. 203. М. А. Врубель. Царевна-Лебедь. X., м. 142,5X93,5. 1900. ГТГ

Ил. 202. М. А. Врубель. Испания. X., м. 248X89. 1894. ГТГ

М. В. Нестеров (1862-1942). Сложен и противоречив дореволюционный период творчества Михаила Васильевича Нестерова.

Он начал свой путь в искусстве жанровыми картинами, близкими передвижническим, но в конце 1880-х годов в его творчестве происходит резкий перелом. Художник уходит в мир идеально прекрасного, воспевая чистоту религиозного чувства, изображая обитателей монастырей и скитов.

Старичок отшельник Нестерова в картине "Пустынник" (1888-1889), медленно бредущий по берегу зеркально гладкого озера, бесконечно далек от жизненных треволнений. Его образ неразрывно связан с красотой умиротворенной природы, ее безмятежным спокойствием.

Огромную роль в творчестве Нестерова играет пейзаж. Поэт русской природы Нестеров, умея глубоко проникнуть во внутренний мир человека, всегда связывает переживания своих героев с состоянием и характером пейзажа.

В картине "Видение отроку Варфоломею" (1889-1890, ил. 191) единственный персонаж - бледный отрок с судорожно сжатыми в молитвенном экстазе тонкими руками. Но главным героем у художника все же выступает пейзаж среднерусской полосы, одухотворенная природа, где поистине каждой былинке художник дарует жизнь, каждая участвует в прославлении родины.

В конце 1890-х - начале 1900-х годов художник создает серию картин, посвященных трагической судьбе русской женщины, покорной и страдающей ("За Волгой", "На горах"). В "Великом постриге" (1898) он показывает грустную процессию обитателей маленького скита, укрытого среди глухого леса, провожающих в монастырь молодую, еще полную сил женщину. Скорбные лица, темные силуэты фигур, дрожащие огни огромных свечей... Глубока печаль, но рядом - вновь прекрасный мир природы, девственные леса и нестеровские тонкоствольные молодые березки.

В начале 1900-х годов складывается мастерство Нестерова-портретиста. Здесь с наибольшей полнотой проявилась реалистическая сторона творчества художника. Большинство портретов этого времени Нестеров пишет на фоне пейзажа, так же как и в картинах, утверждая неразрывную связь человека с природой. В портрете О. М. Нестеровой (1906, ил. 192) фигура девушки в черной амазонке красивым силуэтом выделяется на фоне лирического вечернего пейзажа. Изящная и грациозная, с одухотворенным, чуть мечтательным взглядом, эта девушка олицетворяет для художника идеал молодости, красоты жизни и гармонии.

Еще в 1880-х годах формируется творчество трех выдающихся русских художников - К. А. Коровина, М. А. Врубеля и В. А. Серова. Они с наибольшей полнотой определили художественные достижения эпохи, ее сложность и богатство.

В. А. Серов (1865-1911). Крупнейшим художником конца XIX - начала XX века был Валентин Александрович Серов. Его творчество продолжило развитие реалистического искусства, углубив его содержание и расширив выразительные возможности.

Искусство Серова ярко и многообразно. Прежде всего он мастер психологического, живописного и графического портрета, но его талант проявился также в пейзаже, историческом жанре, книжной иллюстрации, декорационном и монументально-декоративном искусстве. С детства Серова окружала атмосфера искусства. Его отец - А. Н. Серов - известный композитор и музыкант, мать - одаренная пианистка. Учителями Серова были И. Е. Репин и в Академии художеств - П. П. Чистяков. Первый во многом способствовал формированию демократических основ творчества Серова и пробуждению интереса к пытливому изучению жизни, второму он был обязан глубоким постижением профессиональных законов формы.

Уже ранние работы Серова - его знаменитые портреты "Девочка с персиками" (1887, ил. X) и "Девушка, освещенная солнцем" (1888) - прославили молодого художника и наиболее полно характеризовали искусство раннего Серова.

"Девочка с персиками" написана в "Абрамцеве", имении С. И. Мамонтова, с его дочери Веры. В этом превосходном портрете созданный художником образ благодаря жизненной полноте содержания перерастает рамки индивидуального портрета, воплощая в себе общечеловеческое начало. В девочке-подростке с серьезным лицом и строгим взглядом, в ее спокойной сдержанности и непосредственности художнику удалось передать высокую поэзию светлой и чистой юности.

Портрет этот удивительно красив по своей живописи. Он написан на полном свету, очень легко и в то же время материально. Его прозрачные краски, необычайно чистые, напоены светом, воздухом, живо передают рефлексы от освещения. Свежесть колорита "Девочки с персиками", в свое время так поразившего современников, а также естественная простота продуманной композиции ставят картину в один ряд с лучшими произведениями мировой живописи.

Эту же тему юности Серов развивает в "Девушке, освещенной солнцем". Содержание портрета - то же отрадное чувство духовной красоты человека и полноты его бытия.

1890-е годы - следующий этап творчества Серова. В эти годы художник чаще всего пишет людей искусства, и их творческую индивидуальность ему хочется выявить теперь прежде всего. Особой пристальностью взгляда Н. С. Лескова (1894) он передает зоркость пытливого писателя-реалиста. Задумчивость И. И. Левитана сродни поэтическим чувствам художника, непринужденность позы К. А. Коровина (1891, ил. 193) - это своеобразное выражение свободы и непосредственности его искусства.

Еще в 1880-е годы, кроме портретов, Серов писал и пейзажи. Чаще всего он находил мотивы в Абрамцеве и Домотканове, где находилось имение его друзей Дервизов. В 1890-х годах все большее место в пейзажном творчестве Серова начинает занимать изображение простой сельской природы. Нередко художник вводит в картины фигуры крестьян, как бы сближая пейзаж с бытовым жанром ("Октябрь. Домотканово", 1895, ил. 194, "Баба с лошадью", 1898). И. Э. Грабарь назвал художника "крестьянский Серов" именно за пейзажи. В них с особой наглядностью сказался демократизм его искусства.

В 1900-х годах творчество Серова заметно усложняется. Главное место в нем по-прежнему занимают портреты. Кроме того, он продолжает писать пейзажи, работает над иллюстрациями к басням И. А. Крылова, начатыми еще в 1890-х годах. В круг его интересов постоянно входит теперь историческая и монументально-декоративная живопись.

В 1900-х годах портретное творчество Серова становится значительно более многообразным. К портретам людей, близких ему, прибавляются многочисленные светские парадные портреты. Художник по-прежнему остается неподкупно правдивым в характеристиках и неумолимо требовательным к себе, не допуская в своем исполнении малейшей небрежности или сырости. Как и прежде, основой его портретного искусства остается психологическое раскрытие образа, но Серов сосредоточивает теперь свое внимание на общественной характеристике моделей. В портретах передовых представителей русской интеллигенции он с большей четкостью, нежели раньше, стремится запечатлеть и подчеркнуть их наиболее типичные, выдающиеся общественные качества. В портрете А. М. Горького (1905, ил. 195) простотой всего его облика, одеждой мастерового, жестом агитатора художник подчеркивает демократизм пролетарского писателя. Портрет же М. Н. Ермоловой (1905, ил. 196) - своеобразный величественный монумент знаменитой трагической актрисе. И все изобразительные средства художник подчиняет выявлению этой мысли. Вестибюль особняка Ермоловой, в котором она позировала Серову, воспринимается как сцена, а благодаря отражению в зеркале фрагмента колоннады и как зрительный зал. Сама же Ермолова в своем строгом и торжественном черном платье, украшенном лишь нитью жемчуга, величественна и вдохновенна.

Серовские портреты его знатных заказчиков совершенно иные. Парадные портреты супругов Юсуповых, С. М. Боткиной, О. К. Орловой (ил. 197) и многих других походят на портреты XVIII - первой половины XIX века, с блестящим мастерством написаны в них изысканная обстановка, нарядные дамские туалеты. В изображении же самих людей Серов акцентировал их типичные социальные качества, характеризующие класс, к которому они принадлежали. Эти портреты, как говорил В. Я. Брюсов, всегда суд над современниками, тем более страшный, что мастерство художника делает этот суд безапелляционным.

В ряду подобных портретов Серова одно из первых мест занимает портрет М. А. Морозова (1902), изображенного на фоне гостиной его прекрасно обставленного особняка. Этот человек образован, известен своей широкой меценатской деятельностью и пониманием искусства, но в нем еще жива основа стяжателя-купца времен Островского. Вот он стоит, как живой, этот европеизированный купец конца XIX века, заполняя грузной фигурой узкий формат холста и смотря прямо перед собой пронизывающим взглядом. Властность Морозова - не только его личное свойство, она выдает в нем промышленника, так же как надменность княгини О. К. Орловой делает ее типичной представительницей великосветских аристократических кругов начала XX века. Большой выразительности портретов Серов в этот период достигает благодаря богатству применяемых изобразительных средств, вырьированию художественной манеры в зависимости от особенностей создаваемого произведения. Так, в портрете банкира В. О. Гиршмана (1911) Серов по-плакатному лаконичен, а в портрете княгини Орловой его кисть становится изысканной и холодной.

Как уже говорилось выше, значительное место в творчестве Серова 1900-х годов занимает работа над историческими композициями. Особенно захватывает его бурная, стремительная в своем развитии жизнь России петровского времени. В лучшей картине этого цикла "Петр I" (1907, ил. 198) художник изображает Петра как могучего преобразователя государства. Не случайно ростом он намного выше спутников. Стремительное движение Петра и едва поспевающих за ним придворных, напряженный ритм порывистых, резко очерчивающих силуэты угловатых линий, взволнованность пейзажа - все это создает настроение бурной Петровской эпохи.

Захваченный живой красотой Греции, которую Серов посетил в 1907 году, он долго и с увлечением работал также над мифологическими сюжетами ("Похищение Европы", "Одиссей и Навзикая"). Как и всегда, он строит и эти произведения на основе натурной работы, тщательных наблюдений. Но, решая их в плане монументально-декоративного панно, художник несколько упрощает и примитивизирует пластическую форму, сохраняя, однако, жизненность впечатления.

Одна из значительных работ Серова конца 1890 - начала 1900-х годов - серия иллюстраций к басням И. А. Крылова - была предметом его неустанных забот и внимания. Художник преодолел описательность, которая мешала ему в листах начального периода работы над баснями, и обрел мудрую немногословность и выразительность умно найденной формы. Лучшие из этих листов - шедевры серовского искусства. Следуя за Крыловым, художник не разрушал иносказание басен и стремился передать в рисунках их нравоучительный смысл. В образах животных раскрывались чисто человеческие качества: лев у Серова всегда воплощение силы, ума и величия, осел, как и полагается, олицетворение глупости, заяц же - неисправимый трус.

Творчество Серова характеризует его как художника-демократа, стоящего в первых рядах прогрессивных деятелей русской культуры. Верность демократическим принципам Серов доказал не только искусством, но и своей общественной позицией, особенно в период революции 1905-1907 годов. Будучи свидетелем Кровавого воскресенья 9 января, он вышел из состава действительных членов Академии художеств, потому что командующим войсками, которые чинили расправу над народом, был президент Академии - великий князь Владимир Александрович. Резкий протест против насилия и жестокости самодержавия звучит и в смелых обличительных рисунках художника, печатавшихся в сатирических журналах в дни революции ("Солдатушки, бравы ребятушки, где же ваша слава?" (ил. 199), "Виды на урожай", "Разгон демонстрации").

К. А. Коровин (1861-1939). Константин Алексеевич Коровин - один из тех мастеров, которые прокладывают новые пути в искусстве и творчество которых является школой для многих художников последующих поколений.

Коровин - питомец Московского училища живописи, ваяния и зодчества, пейзажной мастерской А. К. Саврасова, В. Д. Поленова. Его творчество формировалось в русле русской пленэрной живописи 1880-х годов ("Мостик", "Северная идиллия", "У балкона. Испанки Леонора и Ампара", ил. XI).

С 1890-х годов наступает пора творческой зрелости Коровина. Его дарование одинаково ярко раскрывается как в станковой живописи, в первую очередь в пейзаже, так и в театрально-декорационном искусстве.

Очарование коровинского искусства заключается в теплоте, солнечности, в умении художника непосредственно и живо передавать впечатления, в щедрости его палитры, в колористическом богатстве артистической живописи.

В те же 1890-е годы в творчестве Коровина происходят существенные изменения. Видимое он стремится передать порой по-имирессионистически бегло. Длительное наблюдение природы уступает место передаче ее ощущения. Меняется и живописно-пластический строй искусства Коровина. Увеличивается роль этюдных форм живописи, сама же она становится более импульсивной, пастозной, широкой; колорит приобретает большую декоративную звучность, напряженность и насыщенность ("Зимой", 1894, ил. 200; "Летом", 1895; "Розы и фиалки", 1912, ил. 201; "Ветер", 1916).

Театральное творчество Коровина сформировалось в окружении деятелей Русской частной оперы С. И. Мамонтова, но наибольшей известности он достиг, работая в императорских театрах в 1900-х - 1910-х годах. Более двадцати лет Коровин возглавлял постановочную часть Большого театра. Он активно участвовал в борьбе с царившими на казенной сцене консерватизмом и рутиной, принеся в эти театры высокую живописную культуру, и вместе с рядом других прославленных мастеров поднял значение театрального художника до уровня соавтора спектакля. Коровин - блистательный мастер живописной декорации, действенной, эмоциональной, жизненно правдивой. Оформленные им постановки были поистине праздником для глаз.

Лучшие театральные работы Коровина обычно связаны с национальной тематикой, с Русью, ее эпосом и сказкой, ее историей и прежде всего с ее природой (опера Н. А. Римского-Корсакова "Снегурочка", 1909; опера М. П. Мусоргского "Хованщина", 1911).

М. А. Врубель (1856-1910). Природа была щедра к Михаилу Александровичу Врубелю. Она наделила его блестящими колористическими способностями, редким даром монументалиста, он прекрасно рисовал, поистине удивителен полет его фантазии. Творчество Врубеля глубоко содержательно и сложно. Его всегда волновали высокие идеалы и большие человеческие чувства. Он мечтал "будить душу от мелочей будничного величавыми образами". Его искусство, чуждое равнодушию, всегда романтически взволнованно и одухотворенно.

Но идеалы Врубеля развивались в суровых условиях окружающей жизни. Желая уйти от ее кричащих противоречий, художник старался замкнуться в мире отвлеченных образов. Однако, будучи большим художником, он все же не мог отгородиться от действительности. Его искусство отражает ее, несет в себе черты эпохи.

Еще в ученические годы Врубель отличался от своих сверстников. Он шел к мастерству, почти минуя школьную робость и скованность. Это проявлялось и в его многофигурных композициях на заданную тему, дававшихся ему необычайно легко ("Обручение Марии с Иосифом"), и в свободном владении акварельной техникой, и в тонкой пластике его портретов.

Большую роль в формировании творчества Врубеля сыграл его учитель П. П. Чистяков, прививший ему конструктивное понимание формы в искусстве, а также передовые художники, участники Абрамцевского кружка. Этим связям, как впоследствии и знакомству с Н. А. Римским-Корсаковым, Врубель обязан сложением национальных основ в его творчестве.

Врубель пробыл в Академии художеств четыре года. В 1884 году он уезжает в Киев для реставрации и возобновления стенных росписей Кирилловской церкви. Уже в этих работах и в неосуществленных эскизах к росписям Владимирского собора раскрывается огромный дар художника. Используя традиции византийской и древнерусской живописи, искусства Возрождения, Врубель остается глубоко самобытным. Подчеркнутая экспрессия чувств, напряженный колорит, темпераментность письма придают его образам особый драматизм.

В 1889 году Врубель переезжает в Москву. С этого времени наступает пора его творческого расцвета. Он прекрасно владеет многими жанрами искусства. Это и станковая картина, и книжная иллюстрация, и монументально-декоративное панно, и театральная декорация. Врубель много рисует с натуры, увлекается майоликой. Художник неустанно совершенствует свое мастерство, он уверен, что "техника - это язык художника", что без нее он не сможет рассказать людям о своих чувствах, об увиденной им красоте. Выразительность его произведений еще более возрастает благодаря динамичной живописи, мерцающему, словно драгоценность, колориту, одухотворенному рисунку.

Цв. ил. XIV. М. А. Врубель. Демон сидящий. X., м. 114Х 211. 1890. ГТГ

Ил. 204. М. А. Врубель. Пан. X., м. 124X 106,3. 1899. ГТГ
Ил. 205. М. А. Врубель. Автопортрет. Б. грунтованная, граф. кар., акв., белила. 35,8X24. 1904. ГТГ

Одной из центральных в творчестве Врубеля становится навеянная поэмой М. Ю. Лермонтова тема Демона. Захваченный высокой романтикой поэмы, он иллюстрирует ее ("Тамара в гробу", 1890-1891) и создает близкие лермонтовским по духу, силе выразительности и мастерству образы центральных героев. В то же время художник наделяет их чертами повышенной экспрессивности и надломленности, которые вскоре станут печатью его времени. В течение более десяти лет Врубель снова и снова возвращается к образу Демона. Его эволюция - своеобразная трагическая исповедь художника. Он представлял себе этого злобного духа небес прекрасным, гордым, но бесконечно одиноким. Сначала могучий, в расцвете сил, еще верящий, что он обретет на земле счастье ("Демон сидящий", 1890, ил. XIV), Демон позднее изображается непокоренным, но уже сломленным, с разбитым телом, распростертым среди холодных каменных гор ("Демон поверженный", 1902). В его горящих гневом глазах и упрямо сжатом рте ощущается и мятежный дух и трагическая обреченность.

В 1890-е годы в творчестве Врубеля постепенно становится главенствующей другая тема, исконно русская, фольклорная. Художника по-прежнему притягивают титанические сильные герои, но они теперь несут в себе добро и мир. В монументально-декоративном панно "Микула Селянинович" (1896) Врубель изобразил былинного героя простым землепашцем, увидел в нем олицетворение силы земли русской. Таков и "Богатырь" (1898), словно слитый со своим конем, могучий витязь - не воюющий, а зорко охраняющий мир родины.

Прекрасны сказочные образы Врубеля. В них счастливо сочетаются правда наблюдения, глубокая поэзия, возвышенная романтика и преображающая все обыденное фантастика. Она неразрывно связана с природой. По сути дела, одухотворение природы, ее поэтическое персонифицирование - основа врубелевских сказок. Загадочно-таинственно его "К ночи" (1900). В "Пане" (1899, ил. 204), изображающем козлоногого бога лесов, много человеческого. В его блеклых глазах, уже давно выцветших, светится и доброта и вековая мудрость. В то же время он - словно оживший ствол березы. Седые кудри, как завитки белой коры, а пальцы - корявые сучки. "Царевна-Лебедь" (1900, ил. 203) - одновременно и синеокая девушка-царевна с длинной косой до пояса и царственно прекрасная птица с лебедиными крылами, плывущая в синем море.

Большие мысли и чувства, широкий размах фантазии тянули Врубеля в мир монументального искусства, и оно стало одним из главных направлений в его творчестве. С 1890-х годов, найдя форму монументально-декоративных панно, художник исполнял их по заказам просвещенных меценатов (панно "Испания", ил. 202, "Венеция", серия, посвященная поэме Гете "Фауст"). При монументальной целостности формы в них всегда сохранялись тонкость пластической разработки и психологическая углубленность образа.

Своеобразием и художественной значительностью отличаются и портреты Врубеля. Они глубоки и очень выразительны, каждой модели художник придавал особую одухотворенность, а порой и драматизм. Таковы портреты С. И. Мамонтова (1897), поэта Валерия Брюсова (1906), многочисленные автопортреты (например, 1904, ил. 205) и портреты жены, известной певицы Н. И. Забелы-Врубель.

Последние десять лет жизни для Врубеля были мучительны. Его прекрасный дар долго боролся с тяжелой душевной болезнью. Уже не имея возможности держать в руке кисть, он много рисовал, поражая окружающих чистотой структурных форм рисунка. Постепенно угасало зрение. Врубель умер в расцвете творческих сил.